Adolf Loos y la armonía del escaso ornamento

Adolf Loos es un importante exponente austriaco. Es famoso por ser uno de lo mayores "enemigos" del ornamento, enemistad que manifestó con el Café Museum, un café en Viena que destaca hasta la fecha no por los excesivos adornos típicos del a escuela arquitectónica de la época, si no por la simplicidad de decoración que se apoya en la funcionalidad para hacer una obra que, si no está atestada de adornos, es bella porque armoniza el propósito con la atracción visual.


                                               

                                               
 Adolf Loos, después de la creación del Café Museum, escribió un artículo titulado "Ornamento y delito". Como el título señala, es un manifiesto de que la evolución estética de la arquitectura radica en priorizar no la belleza de un edificio, si no su funcionalidad, dejando a los adornos como algo innecesario que satura la obra misma.
A su vez, en "Teoría del Revestimiento", deja en claro el potencial que encuentra en los nuevos materiales de la época y cómo pudo aprovecharlos para mejorar su obra, prescindiendo del adorno excesivo.


Acuño un nuevo término, "Raumplan", cuyo concepto de asignar una importancia distinta a cada habitación fue un precedente importante, sin duda, para la arquitectura moderna. Gracias a Loos, se creó una jerarquización concreta con respecto a las habitaciones de una casa y las necesidades que presentan, tanto ante los que la habitan, como las posibles visitas.

Obras famosas

Edificio Goldman & Salatsch

Fue la primer obra moderna en Viena, así como la primer obra de Loos. Combina un edificio de funcioens domésticas, pensado para ser habitado por familias enteras, con un edificio comercial.
Al momento de diseñar, Loos pensaba que los dos usos que se le darían a la edificio eran más que opuestos. Pensando en ello, creo dos conceptos distintos de arquitectura y los puso una encima de la otra sin una continuidad específica, ya que dió mayor peso a la funcionalidad y utilidad del edificio que a la belleza estética del mismo. A pesar de oponerse al adorno, es perfectamenta preciable cómo el uso de ventanales, así como la forma de la estructura, crean una armonía visual importante, marcando una etapa nueva, en la cual el adorno se sirve de la función del edificio y no va en su contra.

Materiales
-Estructura de hormigón armado y tabiques.
-Para la zona comercial, una cubierta de mármol blanco.
-Para la zona de vivienda, utilizó un revoque liso.

 

Casa Steiner

En ésta construcción, Loos pone en manifiesto su concepto donde asigna una importancia diferente a cada habitación de la casa. La fachada va dirigida a los peatones que pasan de largo y la observan de reojo, mientras que el interior está compeltamente diseñado según el gusto del propietarioa, sin dejar de lado la funcionalidad de la casa. Las ventanas de la fachada responden a la ausencia de luz que genera ese tejado de bóveda, que a su vez responde a la necesidad de amplitus y espacio.

Materiales

-Covertura de cemento con madera, acorde a la época.
-El techo está hecho de placas de metal.
-Las paredes, de cemento y ladrillo.

http://en.wikiarquitectura.com

http://en.wikipedia.org/wiki/Adolf_Loos

http://architect.architecture.sk/adolf-loos-architect/adolf-loos-architect.php

http://es.wikiarquitectura.com/index.php/Edificio_en_la_Micha

http://www.archdaily.mx/mx/758865/adolf-loos-en-perspectivaelerplatz

http://edificiosvivos.blogspot.mx/2011/12/looshaus-edificio-goldman-salatsch-en.html

De la pintura impresionista del siglo XIX a la pintura vanguardista del siglo XX

La pintura impresionista marcó el inicio de una importante etapa dentro del contexto histórico del arte. Caracterizada por el juego de luz y sombras que manifiesta, así como la representación de lo efímero, lo banal, la pintura impresionista dio pie a muchas otras corrientes pictóricas, entre ellas, la vanguardista.

Las principales aportaciones del impresionismo a la pintura de vanguardia fue la expresión mediante el uso de color de manera libre.

Vanguardismo y sus tres "hijos"

La pintura vanguardista tiene 3 categorías menores, el expresionismo, el hiperrealismo, y la pintura abstracta.

El expresionismo surge en Alemania en el siglo XX,y no sólo se manifiesta en el campo pictórico, sino en diversas áreas de las bellas artes. Para entenderlo, debemos verlo como una manera de enfocar el arte y no sólo un estilo pictórico más. El expresionismo es eso, la expresión subjetiva de la naturaleza y el entorno del artista, priorizando la manifestación de emociones encima de cualquier otro aspecto. Es importante debido a los tintes tétricos o melancólicos que invaden algunas de las obras más importantes de la corriente.
El principal propósito del expresionismo era, sin duda, tocar las fibras más sensibles del espectador, tanto sus miedos más profundos, como sus pasiones más irracionales.

El hiperrealismo, en cambio, surge a finales de los 60's en USA. La propusta pictórica es interesante,ya que busca proporcionar a la pintura un realismo igual o más fiel que el de la fotografía. La temática es similar a la seguida por el impresionismo, ya que imprime momentos cotidianos que podrían bien ser banales, o no.

La pintura abstracta, en cambio, no siempre refleja momentos banales en la vida diaria. Su propósito va más allá, ya que al momento de imprimir una obra, se reduce a tal grado que sólo queda el concepto mismo. Se sirve, primeramente, del aspecto cromático de la obra, así como de sus formas básicas y juega con éstos elementos para crear una iconografía propia e independiente del concepto como tal.

Principales exponentes del vanguardismo 

Probablemente debería dedicarme a escribir una breve reseña de la vida y obra de los siguientes maestros del arte. Pero perdería el tiempo, ya que si la memoria no me falla, lo he redactado antes en éste mismo blog. Así que, sin más por el momento, expondré un par de obras de cada autor, acompañadas de un comentario personal.

Vincent van Gogh

La noche estrellada
Autor     Vincent van Gogh, 1889
Técnica     Óleo sobre lienzo
Estilo     Postimpresionismo
Tamaño     73,7 cm × 92,1 cm
Localización     Museo de Arte Moderno de Nueva York, Nueva York

Sin duda la obra más famosa del maestro van Gogh, me llama la atención la forma en que pintó el cielo. Esos trazos como jueguetones, acompañados del juego de colores, me dan la sensación de contemplar un cielo totalmente surreal. Pero lo verdaderamente atractivo de la obra (al menos para mi) es esa especie de edificación negra que vemos en primer plano. Me recuerda a la pieza "Hall of the mountain king", sin duda una extraordinaria pieza clásica.

Trigal con cuervos

Autor     Vincent van Gogh, 1890

Técnica     Óleo sobre lienzo

Tamaño     50.2 cm × 103 cm

Localización     Museo van Gogh, Ámsterdam, Flag of the Netherlands

¡Qué decir de ésta obra! Es sin duda tétrica, nostálgica, trágica. Me llamó mucho la atención la manera en que los cuervos parecen incorporarse a la noche, ser parte de la oscuridad del cielo. Además, me transmite una sensación de cautela, como si no debiera contemplar éste escenario tan tranquilamente.

La oreja de Van Gogh

En la película de "Dreams", de Kurosawa, podemos ver que Van Gogh se ve en sueños, ya sin su oreja, aventurando la obsesión de Van Gogh por capturar perfectamenta la belleza como una posible, y muy razonable, teoría acerca de su conocida oreja.

Paul Gauguin

Estudio de un desnudo Autor Paul Gauguin, 1880 Técnica Óleo sobre lienzo Estilo Impresionismo Tamaño 114 cm × 79,5 cm Localización Gliptoteca Ny Carlsberg, Copenhague, Dinamarca

Una de las obras más importantes de Gauguin, me gusta por la manera tan absorta en la que mujer se refleja. Como si no tuviera idea, y si la tiene no le interesa, de que alguien la contempla en un momento de alta intimidad. Quizás son figuraciones mías, pero creo que refleja indiferencia y muchísima concentración, algo que es un poco contradictorio pero no por ello menos impresionante.

Vairumati
Autor     Paul Gauguin, 1897
Técnica     Óleo sobre lienzo
Estilo     Postimpresionismo
Tamaño     73 cm × 94 cm
Localización     Museo de Orsay, París, Flag of France

En ésta obra, me interesa el concepto. Parecer ser una persona indígena de alto rango dentro de su contexto social, que posa para el pintor quien, despreocupadamente, no le importa en absoluto capturar algo tan efímero y banal como un ave en cacería al lado de algo tan planeado, como lo es posar semi desnuda.

Cibergrafía:
http://es.wikipedia.org/wiki/Vanguardismo
http://azulgaguilar.blogspot.mx/2010/02/corrientes-pictoricas.html
http://www.ciber-arte.com/movimientos/
http://www.biografiasyvidas.com/

El diseño

Un nuevo inicio, una nueva definición de diseño.

Para mi, el diseño es una extensión del ser, una manera coherente mediante la cual el hombre puede acondicionar, o recondicionar, su entorno, así como transformarlo para estar más a gusto en el.

El diseño es coherente, y lo más interesante es que siempre responde a una necesidad. Hay un debate interesante acerca del diseño: ¿es arte o es ciencia?

Muchos autores, como Zimmermman, sitúan al diseño como una amalgama que oscila entre el arte y la ciencia, sirviéndose de ambos para cumplir su propósito de resolver problemáticas.

Creo que el diseño es la capacidad humana de resolver sus necesidades de manera adecuada y equilibrada, sin caer en el egoísmo.

Charnay y sus aportes a la fotografía arqueológica.

Claude-Joseph Désiré Charnay fue un imporatante explorador, arqueólogo y fotógrafo francés. Su éxito radicó en las valiosos fotografías que tomó de civilizaciones precolombinas aquí, en México.

Ese pote no puede ser de otra cosa que no sea explorador

Charnay hizo importantes avances en la fotografía, ya que fue de los pioneros en utilizarla con fines arqueológicos. Además, se le reconoce por su interés en tomar la escala de las construcciones, colocando personas al lado para hacerse una idea de proporción. También se le respeta por todos los contratiempos que enfrentó en su viaje, desde su equipaje que pesaba aproximadamente 1800 kilos, hasta la falta de mteriales para hacer un revelado limpio y cómo improvisó para lograrlos.

Hizo tomas de la cultura maya, más concretamente la ciudad de Comacalco,  y de Mitla. Todas sus fotografías fueron publicadas en su libro Les anciennes villes du Nouveau Monde, al cual pude echarle una hojeada (en PDF, por supuesto) y es altamente recomendado por un servidor. A continuación, algunas fotografías.

Los aficionados, enriqueciendo al arte sin necesidad de estudiarlo

La pintura aficionada no seguía estrictas normas de academia, ni estaba tan refinada como tal. Más bien buscaba transmitir algún punto importante en la historia del autor, o algo que él consideraba importante e interesante. Curioso, sin duda. A continuación, algunos de los personajes más conocidos de la pintura aficionada.

José María Estrada

Se considera el precursor de la escuela independiente de pintura. El pintaba sin la necesidad de generar un boceto antes de imprimir su idea en el lienzo, y ponía muchísima atención a los pequeños detalles de los protagonistas de sus obras.

José Agustín Arrieta

Un costumbrista declarado, en sus obras apreciamos temas de carácter doméstico, siempre haciendo evidente el estilo de vida de Puebla en la época en que él vivió ahí. También se le reconocen sus bodegones, los cuales por supuesto contienen platillos nacionales. Como dije, costumbrista hasta la médula.

Paisajismo en México y Eugenio Landesio

En méxico, el paisajismo tiene muchísimo de dónde extraer obras. Es bien sabido que el panorama mexicano es hermoso; aunque el tiempo y el hombre hayan destruido eso. Pero, dejando a un lado ese arranque de misantropía, el paisajimo mexicano se caracteriza por evidenciar la modernización del entorno. Como principal exponente, pondré a Eugenio Landesio. 

Eugenio Landesio fue un pintor italiano que pisó la Academa de San Carlos para desarrollar el paisajismo a un nivel único. Quizás un tanto románticas, sus obras son muy "rositas", diría yo. tenía tendencia a embellecer de más el cielo, agregando aquí y allá colores de ensueño a nubes esponjosas.

De postimpresionismo a modernismo.

A principios del siglo XX, surgió la idea de crear un nuevo estilo que se divorciara, aunque no del todo, de los estilos pictóricos que se pavoneaban en la época, sean de academia o no. ¿De dónde sale ésta idea? De John Ruskin y William Morris, que sugieren que cualquier objeto cotidiano posee un valor estético que puede ser explotado, o compartido.

Lo curioso del modernismo fue la escala con la que impactó a la sociedad. No se detuvo con generar un nuevo estilo en las bellas artes, si no también influyo de manera poderosa en el desarrollo y creación de inmobiliario, en el diseño industrial y gráfico, entre otras disciplinas.

Algunas de las principales características de éste movimiento son la inspiración de la naturaleza, ya que las obras modernistas presentan un aire orgánico por las formas redondeadas que encontramos. De aquí deriva otra característica, que es el uso de curvas y la falta de simetría en las obras. Así como durante el impresionismo se remplazaron diosas con mujeres de carne y hueso, aquí éstas mujeres se remplazan con figuras delicadas y gráciles . Y ésto genera unos toques de sensualidad durante el movimiento.

Spoiler

Me centraré un poco en artistas mexicanos a partir de éste post para comenzar a introducirme a la segunda parte de la materia, así que dejaré de lado la mayor parte de personajes europeos o americanos.

Germán Gedovius

Es un mexicano-alemán, de los primeros en estudiar en la Academia San Carlos. Luego de pasar un tiempo aprendiendo del maestro Rafael Flores en México, se traslada a Munich a complementar sus estudios y especializarse en el uso del carboncillo. Al regresar a México, comienza a dar clases en San Carlos, donde forma figuras artísticas importantes como Diego Rivera y María Izquierdo.

La Dama de las violetas

Amapolas

Diego Rivera

Un reconocido muralista mexicano, de ideología política comunista. Sus obras casi siempre representan temática política, o de índole social, favoreciendo al pueblo. Presenta enrome influencia y tributo a la historia mexicana, así como a los orígenes indígenas de la misma.

María Izquierdo

Fue la primera mexicana en exponer sus obras en el extranjero. A pesar de haber sido estudiante de Gedovius, dejó a un lado su enseñanza para arriesgarse con el "Retrato de Belem", y así fue cimentando su propio estilo. Otra de sus grandes influencias fue Rufino Tamayo, con el cual comparte algunos puntos del estilo pictórico.

Jorge Enciso

Enciso tuvo como maestro Féliz Bernardelli, a un personaje proveniente de Brasil, quizás el primero en venir a méxico con fines artísticosy de enseñanza, o aprendizaje en todo caso. Recibió enseñanza impresionista, que mezcla con nacionalismo en sus obras.