jueves, 9 de abril de 2015

Dédalo e Ícaro: la visión de volar. Pequeña reflexión personal.


“Dédalo era un artista e inventor ateniense que había aprendido su arte con la diosa Atenea en persona. Sin embargo, le aventajaba su sobrino Talos, el cual siendo aún muy jóven, inventó la sierra, el torno de alfarero y el compás. Celoso, Dédalo arrojó a Talos desde el tejado del templo de Atenea y lo mató. Por esa razón fue desterrado hallando refugio en la corte del rey Minos, don de tuvo, con una joven esclava un hijo al que llamaron Icaro.Después de que Teseo matase al Minotauro, Minos encerró a Dédalo y a Ícaro en el laberinto. La única forma de escapar del laberinto era por el aire, ya que no tenía techo, por lo que Dédalo, construyó dos pares de alas con plumas y cera. Luego de decirle a Ícaro que no volase cerca del sol, para que la cera no se derritiese, ni demasiado cerca del mar, para que las plumas no se mojasen, ambos partieron volando. Pero ante la exultante libertad, Icaro olvidó los consejos de su padre y voló tan alto que el sol derritió sus alas y se precipitó al océano, donde murió”



La caída de Ícaro, óleo sobre lienzo, 195 x 180 cm, Madrid, Museo del Prado.
Autor: Jacob Peter Gowy
El sueño de los hombres, mortales y efímeros, siempre fue superar a sus deidades, a sus entidades divinas. Creo que la falsa humillación que mostraban nuestros ancestros ante ellos no era otra cosa que una máscara para ocultar su ferviente deseo de superarlos con creces.

El hombre siempre soñó a ser dios. La idea de ser todopoderoso lo embriaga, nublando el juicio, causando guerra. El miedo lleva al caos, y el caos conduce a la anarquía.

¿A dónde llevará la ambición humana?                      



Fuente:
-http://mitologiagrecorromana.idoneos.com/316443/

Automóvil: Ford y Volkswagen

Al automóvil ha revolucionado la vida del hombre en muchas maneras, desde la velocidad a la que se desplaza hasta el número en el que lo hace. Y en el negocio de los automóviles, existen dos grandes imperios: el de Ford y el Volkswagen.

El Ford T

La introducción del Ford T en el mercado automovilístico revolucionó el transporte y la industria en Estados Unidos. Fue un inventor prolífico que obtuvo 161 patentes registradas en ese país. Como único propietario de la compañía Ford, se convirtió en una de las personas más conocidas y más ricas del mundo.

A él se le atribuye el fordismo, sistema que se difundió entre finales de los años treinta y principios de los setenta y que creó mediante la fabricación de un gran número de automóviles de bajo costo mediante la producción en cadena. Este sistema llevaba aparejada la utilización de maquinaria especializada y un número elevado de trabajadores en plantilla con salarios elevados.

El Ford T apareció en el mercado el 1 de octubre de 1908 y presentaba una gran cantidad de innovaciones. Por ejemplo, tenía el volante a la izquierda, siendo esto algo que la gran mayoría de las otras compañías pronto copiaron. Todo el motor y la transmisión iban cerrados, los cuatro cilindros estaban encajados en un sólido bloque y la suspensión funcionaba mediante dos muelles semi-elípticos. El automóvil era muy sencillo de conducir y, más importante, muy barato y fácil de reparar.

Fabricante: Ford Motor Company

Período: 1908-1927
                       


Volkswagen

Actualmente el 3er lugar en la competencia de venta de autos a nivel mundial. Surge cuando Hitler intentó hacer frente a la competencia inglesa y americana. El nombre, que significa "el automóvil de pueblo" surge de la idea de hacer un automóvil idóneo para el pueblo alemán.

Todo comienza cuando Hitler desea  rivalizar con la industria inglesa y francesa, así que se planteó la creación de éste nuevo modelo de móvil. Sin embargo, jamás pudo ser realizado, ya que la segunda guerra mundial llegó a su fin y las fuerzas aliadas tomaron la fábrica para después producir el "escarabajo" en serie.

Fabricante: Volkswagen
Período: 1938-2003

                                         


Fuentes:
-http://es.wikipedia.org/wiki/Henry_Ford
-http://es.wikipedia.org/wiki/Volkswagen_Tipo_1
-http://es.wikipedia.org/wiki/Ford_T
-http://es.wikipedia.org/wiki/Volkswagen

La silla Thontt y la bicicleta: Tecnología

En clase aprendimos que la tecnología extiende las posibilidades de tener una vida cómoda del ser humano. Es una herramienta, un amplificador que permite al ser llegar a metas inaccesibles sin dicha tecnología. En resumen, la tecnología es una herramienta y un extensor del cuerpo y mente humano, que bien puede enfocarse al arte o a la ciencia.

La silla Thonet

La peculiariad, y a su vez, lo interesante de ésta silla es que está armada solamente con 6 piezas y 6 tornillos. Se desarrolló mediante la tecnología que provee el doblado al vapor.
                                                         

                                                          




La importancia de la silla fue el simbolismo que adquirió en su época. Fue el primer objeto que se produjo en serie, así que representó un cambio en la industria, así como una revolución industrial radical. También implicó el surgimiento del diseño en tu industria.


La bicicleta

La bici. Curiosamente, el diseño de éste artefacto ha permitido que perdure el tiempo transcurrido desde su creación hasta nuestros días. Con esto no quiero decir que no haya evolucionado, o sufrido adaptación al entorno social, a la demanda, sino que me refiero a que el diseño base sigue igual. Un par de ruedas, unidas a una base y conectadas mediante una cadean para poder desplazarse.

A pesar de que no hay un registro concreto de quién fue el creador de la bicicleta, a primer patente la tiene Pierre Lallement. Se dice que se inspiro en alguien con un caballito de madera.       
                
Fuentes:
-http://es.wikipedia.org/wiki/Silla_n.%C2%BA_14
-http://es.wikipedia.org/wiki/Pierre_Lallement
-http://es.wikipedia.org/wiki/Bicicleta

Pintura modernista mexicana

A continuación, importantes exponentes de la pintura modernista en México.

Carlos Mérida

Pintor, muralista y escritor. Comenzó sus estudios en el Instituto de Artes y Oficios en la ciudad de Guatemala. Estudió un tiempo en París, y regresó en 1914 a su país natal, retomando en sus obras temas indigenistas y locales. Llegó a México en 1919, donde desarrolló parte importante de su obra. Miembro fundador del Sindicato de Obreros Técnicos, Pintores y Escultores. Volvió a París para experimentar una etapa abstracta-surrealista. Realizó murales tanto en Guatemala como en México.

Artist: Carlos Mérida
Title: La nueve musas, 1960–1960
Acrylic
Size: 40 x 88.3 cm. (15.7 x 34.8 in.)



Alfredo Ramos Martínez

Ingresó   la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1890. Realizó una estancia en parís. Fue nombrado dierector de la ENBA, en tres ocasiones, y para renovar la institución impulsó el proyecto de las Escuelas al Aire Libre, que inició en 1913 con una Escuela de Pintura en el Campo. En 1929 se fue a vivir a Estados Unidos, donde llevaría a cabo pinturas y murales con temas mexicanos. 

Alfredo Ramos Martínez, Mancacoyota, óleo/cartón, 38.4 x 38.3 cm, 1930

Diego Rivera

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes, y vivió largas temporadas en Europa. A su regreso, llevó a cabo murales en la Escuela  Nacional Preparatoria, en la Secretaría de educación Pública, en la Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo y en la escalera de Palacio Nacional, así como en las ciudades de San Francisco, Detroit y Nueva York. Fue uno de los organizadores del Sindicato de Obreros, Técnicos, Pintores y Escultores. miembro del Partido Comunista y esposo de otra gran artista mexicana: Frida Kahlo.

Artist: Diego Rivera
Completion Date: 1913
Style: Cubism
Genre: portrait
Technique: oil
Material: canvas
Dimensions: 227.5 x 161.5 cm
Gallery: Museo Nacional de Arte,CNCA, INBA, Mexico


                                             
Fransisco Romano Guillemín

En Puebla realizó sus primeros estudios de arte. En 1906, ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México. Participó en la exposición de Artistas mexicanos de 1910. Fue alumno de la Escuela de Pintura al Aire Libre en Santa Anita y pupilo de Diego Rivera. Es considerado uno de los pocos representantes del impresionismo en México, trabajó siguiendo los planteamientos de este movimiento y el puntillismo, generando texturas y contrastes mediante pinceladas puntuales.



Julio Ruelas

En Puebla realizó sus primeros estudios de arte. En 1906, ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México. Participó en la exposición de Artistas mexicanos de 1910. Fue alumno de la Escuela de Pintura al Aire Libre en Santa Anita y pupilo de Diego Rivera. Es considerado uno de los pocos representantes del impresionismo en México, trabajó siguiendo los planteamientos de este movimiento y el puntillismo, generando texturas y contrastes mediante pinceladas puntuales.


Julio Ruelas (1870-1907)
El reposo del trovador, ca. 1906
grabado en metal
18.8x26.8 cm

Ángel Zárraga

Estudió en la Escuela Nacional Preparatoria, donde se involucró con intelectuales que formaban parte de las revistas Savia Moderna y Revista Moderna. Ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes. La primera parte de su producción se relaciona con el simbolismo. En 1904 de trasladó a Europa, donde habitó casi toda su vida, visitando México únicamente durante cortos periodos. Integrado al medio artístico europeo, participó en numerosas expisiciones y realizó diversos murales. Incursionó en el cubismo e impresionismo como corrientes de vanguardia.



Roberto Montenegro

Comenzó sus estudios en la Academia de Dibujo y Pintura en Guadalajara. Realizó colaboraciones para la Revista Moderna, antes de mudarse a la Ciudad de México para estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Obtuvo una beca de la Secretaría de Instrucción Pública para estudiar en Europa en 1906. Estudió pintura en París y realizó diversas muestras en las más importantes capitales europeas. En 1934 fue nombrado director del Museo de Artes Populares de Bellas Artes. Continuó diseñando escenografías, organizando talleres, fundando museos y publicando en México.




Dr. Atl

Estudió pintura en Guadalajara, y asistió a la Escuela Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México. Pasó largas temporadas de su vida en Europa, donde realizó estudios de sus dos grandes pasiones: la pintura y la vulcanología. A su regreso a nuestro país enriquece su creación con invensiones personales y nuevas técnicas como los Atl-colors, resina sólida basada en pigmentos. Su obra llena de fuerza y vigor muestra un manejo monumental del espacio, curvando los horizontes en busca de amplitud y movimiento, poniendo en clara evidencia el ojo acuoso y agudo del artista y del hombre de ciencia, convirtiéndolo en uno de los más grandes paisajistas mexicanos de todos los tiempos.





Fuente:
-http://modernismomexicano.mex.tl/frameset.php?url=/intro.html

"Fear and loathing in Las Vegas"

Sin duda una película un tanto extraña, la historia es acerca de un reportero y su abogado que viajan a Las Vegas a cubrir un evento; pero como es natural en dicho lugar, las drogas, el alcohol y demás hacen aparición, causando visión bizarras y aventuras singulares al dúo.

Ya antes había visto ésta película, y recuerdo que una de las escenas que más me impresionó fue la de los reptiles, por el simple hecho de ser reptiles humanoides.

Encontré el "humor" del filme más bizarro que gracioso, porque son cosas totalmente antinaturales en cuadros completamente cotidianos ante los cuales uno puede llegar a identificarse peligrosamente. Sin embargo, la disfruté mucho, ya que soy aficionado a los soundtrack de películas de ésta naturaleza. 

La banda sonora me encanta de principio a fin, porque sin importar la naturaleza de una película, no es nada sin música. Y, hablando de ello, una de mis bandas favoritas realizó un video musical inspirado en dicha película. Lo que quiero decir es que, ¿por qué no habría de encantarme?






Película original


Video musical, link debajo




Rodin en el Museo Soumaya



Nada más entrar al museo, el esplendor del maestro Rodin no se hace esperar, y una de sus más grandes obras nos observa en majestuosa quietud desde el recibidor. "El pensador", siempre impresionante, es sólo una de las muchas obras de Rodin que podemos encontrar en dicho museo.

Previamente había podido visitarlo y deleitarme con cada exposición en cada nivel del edificio, pero ésta vez me dirigí directamente al último piso donde, sabía, estaban las esculturas de Rodin.

En mi caso, preferí hacer unos dibujos rápidos de dos esculturas que me gustaron mucho: "El Beso" y "Gran mano crispada". ¿Por qué? Bueno, "El Beso" desde siempre me ha resultado cautivadora, y la "Gran mano crispada" es sin duda una representación de las pasiones humanas, creo yo. Por eso está en tan interesante posición. A continuación, mis dibujos.


"El Beso"
Autoría propia




"Gran mano crispada"
Autoría propia




Fuentes:
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:El_Pensador_(1903)_de_Auguste_Rodin_en_el_Museo_Soumaya_(02).JPG

Abstracción de impresionismo: una nueva forma de arte

El expresionismo abstracto está considerado una corriente pictórica totalmente nacida en Estados Unidos, surgiendo después de la segunda guerra mundial. Se caracterizó por los formatos enormes en los que se trabajaba, deja atrás la jerarquización y elimina la forma, la figura.


Jackson Pollock

Uno de los más grandes exponentes de dicho movimiento pictórico, Pollock refleja su personalidad volátil y, a veces, depresiva en sus obras. Su estilo radicó en salpicaduras pasionales y espontáneas de pinturas. Murió en un accidente automovilístico debido a un estado alcohólico. 

"Ritmo de otoño"

Descripción: Óleo sobre lienzo. 266,7 x 525,8 cm. - Localización: MOMA. Nueva York. - Autor: Jackson Pollock




Su obra "Ritmo de otoño" me parece inigualable, incluso diría que es mi preferida de Pollock porque, con un poco de imaginación, uno realmente puede apreciar formas quizás no humanoides, quizás sí, danzando en una coreografía frenética y pasional. Me gusta.


Documental sobre su vida:



Otras obras del autor:
-http://www.epdlp.com/pintor.php?id=338

Homenaje a Pollock, creación propia.

Willem de Kooning

Maestro de la pintura gestual, al igual que Pollock, Kooning surge después de la segunda guerra mundial en E.U.A., siguiendo su estilo caracterizado por insinuar formas femeninas mediante trazos erráticos en medio de una explosión de color.


Easter Monday
Seated Woman 2







Fuentes:
-http://es.wikipedia.org/wiki/Jackson_Pollock
-http://www.wikiart.org/en/jackson-pollock
-http://es.wikipedia.org/wiki/Willem_de_Kooning
-http://www.wikiart.org/en/willem-de-kooning




Catástrofes en la arquitectura: Pruitt-Igoe

La arquitectura social está completamente destinada a satisfacer las necesidades de la sociedad que gobierna un entorno determinado. Sin duda, uno de los ejemplos más notorios de ésta clase de arquitectura es el a continuación mencionado.

Pruitt-Igoe

El gran proyecto de urbanismo social  conocido como Pruitt-Igoe, desarrollado entre 1954 y 1955 en la ciudad estadounidense de San Luis (Missouri), intentó realojar a la población urbana depauperada y a la peri-urbana marginal. Lo hizo en un proceso en el que indirectamente y sin intención aparente se favorecía la exclusión social a través del propio modelo que aprovechaba el éxodo de las clases medias más acomodadas hacia el extrarradio. Esta clase abandonaba el centro urbano y la autoridad pública aprovechaba para reconstruirlo, en un intento de dar nueva vida a la vieja urbe con nuevos vecinos y nuevas construcciones.




Esta población de clase media estaba huyendo hacia las nuevos barrios extensos que en paralelo se construían en las afueras y que actualmente rodean la antigua urbe, contribuyendo al abandono de la ciudad histórica, cada vez más fantasmal y cada vez más pobre. Esas clases medias, temerosas, abandonaron la ciudad y nutrieron las inmensas extensiones de polígonos de unifamiliares que tanto abundan en los EE.UU, en un modelo difícilmente sostenible como es el de la ciudad extensa de chalés clonados en números casi infinitos.

El gran proyecto de urbanismo social  conocido como Pruitt-Igoe, desarrollado entre 1954 y 1955 en la ciudad estadounidense de San Luis (Missouri), intentó realojar a la población urbana depauperada y a la peri-urbana marginal. Lo hizo en un proceso en el que indirectamente y sin intención aparente se favorecía la exclusión social a través del propio modelo que aprovechaba el éxodo de las clases medias más acomodadas hacia el extrarradio. Esta clase abandonaba el centro urbano y la autoridad pública aprovechaba para reconstruirlo, en un intento de dar nueva vida a la vieja urbe con nuevos vecinos y nuevas construcciones.

Esta población de clase media estaba huyendo hacia las nuevos barrios extensos que en paralelo se construían en las afueras y que actualmente rodean la antigua urbe, contribuyendo al abandono de la ciudad histórica, cada vez más fantasmal y cada vez más pobre. Esas clases medias, temerosas, abandonaron la ciudad y nutrieron las inmensas extensiones de polígonos de unifamiliares que tanto abundan en los EE.UU, en un modelo difícilmente sostenible como es el de la ciudad extensa de chalés clonados en números casi infinitos.



La muerte del proyecto

A pesar de la amplia evidencia de las múltiples causas económicas y sociales que ocasionaron el deterioro del barrio el mito de Pruitt-Igoe se ha ido extendiendo a lo largo del tiempo y fue habitual que se culpase a la inadecuación del modelo arquitectónico como causa de la desintegración de la estructura social de sus ocupantes. No se tuvo en cuenta, sin embargo, las numerosas situaciones que afectaron el éxito del proyecto, como fue la crisis económica del momento y el grave problema de discriminación racial que se vivía. Además, las exigencias de las autoridades de San Luis y de la Administración de Viviendas Públicas, apenas permitieron a los arquitectos capacidad de decisión, por lo que perdieron el control del proyecto original en que primaba la baja densidad.


                               

                                                 


Cibergrafía:

-https://www.youtube.com/watch?v=kVpN6Wl7Qm0

-https://urbancidades.wordpress.com/2014/03/29/pruitt-igoe-el-fracaso-politico-de-la-arquitectura-social-st-louis-missouri-1941-1974/


lunes, 9 de febrero de 2015

Adolf Loos y la armonía del escaso ornamento

Adolf Loos es un importante exponente austriaco. Es famoso por ser uno de lo mayores "enemigos" del ornamento, enemistad que manifestó con el Café Museum, un café en Viena que destaca hasta la fecha no por los excesivos adornos típicos del a escuela arquitectónica de la época, si no por la simplicidad de decoración que se apoya en la funcionalidad para hacer una obra que, si no está atestada de adornos, es bella porque armoniza el propósito con la atracción visual.


                                                http://ic.pics.livejournal.com/renedl/38149478/79627/79627_original.jpg

                                                http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/90/Cafe_Museum_Innen.jpg
 Adolf Loos, después de la creación del Café Museum, escribió un artículo titulado "Ornamento y delito". Como el título señala, es un manifiesto de que la evolución estética de la arquitectura radica en priorizar no la belleza de un edificio, si no su funcionalidad, dejando a los adornos como algo innecesario que satura la obra misma.
A su vez, en "Teoría del Revestimiento", deja en claro el potencial que encuentra en los nuevos materiales de la época y cómo pudo aprovecharlos para mejorar su obra, prescindiendo del adorno excesivo.


Acuño un nuevo término, "Raumplan", cuyo concepto de asignar una importancia distinta a cada habitación fue un precedente importante, sin duda, para la arquitectura moderna. Gracias a Loos, se creó una jerarquización concreta con respecto a las habitaciones de una casa y las necesidades que presentan, tanto ante los que la habitan, como las posibles visitas.

Obras famosas

Edificio Goldman & Salatsch

Fue la primer obra moderna en Viena, así como la primer obra de Loos. Combina un edificio de funcioens domésticas, pensado para ser habitado por familias enteras, con un edificio comercial.
Al momento de diseñar, Loos pensaba que los dos usos que se le darían a la edificio eran más que opuestos. Pensando en ello, creo dos conceptos distintos de arquitectura y los puso una encima de la otra sin una continuidad específica, ya que dió mayor peso a la funcionalidad y utilidad del edificio que a la belleza estética del mismo. A pesar de oponerse al adorno, es perfectamenta preciable cómo el uso de ventanales, así como la forma de la estructura, crean una armonía visual importante, marcando una etapa nueva, en la cual el adorno se sirve de la función del edificio y no va en su contra.

Materiales
-Estructura de hormigón armado y tabiques.
-Para la zona comercial, una cubierta de mármol blanco.
-Para la zona de vivienda, utilizó un revoque liso.


Archivo:Michaelerplatz 10.jpg

Archivo:Michaelerplatz 18.jpg

Archivo:Michaelerplatz 20.jpg

 

Casa Steiner

En ésta construcción, Loos pone en manifiesto su concepto donde asigna una importancia diferente a cada habitación de la casa. La fachada va dirigida a los peatones que pasan de largo y la observan de reojo, mientras que el interior está compeltamente diseñado según el gusto del propietarioa, sin dejar de lado la funcionalidad de la casa. Las ventanas de la fachada responden a la ausencia de luz que genera ese tejado de bóveda, que a su vez responde a la necesidad de amplitus y espacio.

Materiales

-Covertura de cemento con madera, acorde a la época.
-El techo está hecho de placas de metal.
-Las paredes, de cemento y ladrillo.







http://en.wikiarquitectura.com

http://en.wikipedia.org/wiki/Adolf_Loos

http://architect.architecture.sk/adolf-loos-architect/adolf-loos-architect.php

http://es.wikiarquitectura.com/index.php/Edificio_en_la_Micha

http://www.archdaily.mx/mx/758865/adolf-loos-en-perspectivaelerplatz

http://edificiosvivos.blogspot.mx/2011/12/looshaus-edificio-goldman-salatsch-en.html

jueves, 29 de enero de 2015

De la pintura impresionista del siglo XIX a la pintura vanguardista del siglo XX

La pintura impresionista marcó el inicio de una importante etapa dentro del contexto histórico del arte. Caracterizada por el juego de luz y sombras que manifiesta, así como la representación de lo efímero, lo banal, la pintura impresionista dio pie a muchas otras corrientes pictóricas, entre ellas, la vanguardista.

Las principales aportaciones del impresionismo a la pintura de vanguardia fue la expresión mediante el uso de color de manera libre.

Vanguardismo y sus tres "hijos"

La pintura vanguardista tiene 3 categorías menores, el expresionismo, el hiperrealismo, y la pintura abstracta.

El expresionismo surge en Alemania en el siglo XX,y no sólo se manifiesta en el campo pictórico, sino en diversas áreas de las bellas artes. Para entenderlo, debemos verlo como una manera de enfocar el arte y no sólo un estilo pictórico más. El expresionismo es eso, la expresión subjetiva de la naturaleza y el entorno del artista, priorizando la manifestación de emociones encima de cualquier otro aspecto. Es importante debido a los tintes tétricos o melancólicos que invaden algunas de las obras más importantes de la corriente.
El principal propósito del expresionismo era, sin duda, tocar las fibras más sensibles del espectador, tanto sus miedos más profundos, como sus pasiones más irracionales.

El hiperrealismo, en cambio, surge a finales de los 60's en USA. La propusta pictórica es interesante,ya que busca proporcionar a la pintura un realismo igual o más fiel que el de la fotografía. La temática es similar a la seguida por el impresionismo, ya que imprime momentos cotidianos que podrían bien ser banales, o no.

La pintura abstracta, en cambio, no siempre refleja momentos banales en la vida diaria. Su propósito va más allá, ya que al momento de imprimir una obra, se reduce a tal grado que sólo queda el concepto mismo. Se sirve, primeramente, del aspecto cromático de la obra, así como de sus formas básicas y juega con éstos elementos para crear una iconografía propia e independiente del concepto como tal.



Principales exponentes del vanguardismo 

Probablemente debería dedicarme a escribir una breve reseña de la vida y obra de los siguientes maestros del arte. Pero perdería el tiempo, ya que si la memoria no me falla, lo he redactado antes en éste mismo blog. Así que, sin más por el momento, expondré un par de obras de cada autor, acompañadas de un comentario personal.


Vincent van Gogh

La noche estrellada
Autor     Vincent van Gogh, 1889
Técnica     Óleo sobre lienzo
Estilo     Postimpresionismo
Tamaño     73,7 cm × 92,1 cm
Localización     Museo de Arte Moderno de Nueva York, Nueva York

Sin duda la obra más famosa del maestro van Gogh, me llama la atención la forma en que pintó el cielo. Esos trazos como jueguetones, acompañados del juego de colores, me dan la sensación de contemplar un cielo totalmente surreal. Pero lo verdaderamente atractivo de la obra (al menos para mi) es esa especie de edificación negra que vemos en primer plano. Me recuerda a la pieza "Hall of the mountain king", sin duda una extraordinaria pieza clásica.

Trigal con cuervos
Autor     Vincent van Gogh, 1890
Técnica     Óleo sobre lienzo
Tamaño     50.2 cm × 103 cm
Localización     Museo van Gogh, Ámsterdam, Flag of the Netherlands


¡Qué decir de ésta obra! Es sin duda tétrica, nostálgica, trágica. Me llamó mucho la atención la manera en que los cuervos parecen incorporarse a la noche, ser parte de la oscuridad del cielo. Además, me transmite una sensación de cautela, como si no debiera contemplar éste escenario tan tranquilamente.


La oreja de Van Gogh


En la película de "Dreams", de Kurosawa, podemos ver que Van Gogh se ve en sueños, ya sin su oreja, aventurando la obsesión de Van Gogh por capturar perfectamenta la belleza como una posible, y muy razonable, teoría acerca de su conocida oreja.



Paul Gauguin


Estudio de un desnudo Autor Paul Gauguin, 1880 Técnica Óleo sobre lienzo Estilo Impresionismo Tamaño 114 cm × 79,5 cm Localización Gliptoteca Ny Carlsberg, Copenhague, Dinamarca

Una de las obras más importantes de Gauguin, me gusta por la manera tan absorta en la que mujer se refleja. Como si no tuviera idea, y si la tiene no le interesa, de que alguien la contempla en un momento de alta intimidad. Quizás son figuraciones mías, pero creo que refleja indiferencia y muchísima concentración, algo que es un poco contradictorio pero no por ello menos impresionante.


Vairumati
Autor     Paul Gauguin, 1897
Técnica     Óleo sobre lienzo
Estilo     Postimpresionismo
Tamaño     73 cm × 94 cm
Localización     Museo de Orsay, París, Flag of France

En ésta obra, me interesa el concepto. Parecer ser una persona indígena de alto rango dentro de su contexto social, que posa para el pintor quien, despreocupadamente, no le importa en absoluto capturar algo tan efímero y banal como un ave en cacería al lado de algo tan planeado, como lo es posar semi desnuda.

Cibergrafía:
http://es.wikipedia.org/wiki/Vanguardismo
http://azulgaguilar.blogspot.mx/2010/02/corrientes-pictoricas.html
http://www.ciber-arte.com/movimientos/
http://www.biografiasyvidas.com/


miércoles, 28 de enero de 2015

El diseño

Un nuevo inicio, una nueva definición de diseño.

Para mi, el diseño es una extensión del ser, una manera coherente mediante la cual el hombre puede acondicionar, o recondicionar, su entorno, así como transformarlo para estar más a gusto en el.

El diseño es coherente, y lo más interesante es que siempre responde a una necesidad. Hay un debate interesante acerca del diseño: ¿es arte o es ciencia?

Muchos autores, como Zimmermman, sitúan al diseño como una amalgama que oscila entre el arte y la ciencia, sirviéndose de ambos para cumplir su propósito de resolver problemáticas.

Creo que el diseño es la capacidad humana de resolver sus necesidades de manera adecuada y equilibrada, sin caer en el egoísmo.